该项目的场地位于台湾台东的一座弃置了十多年的旧火车站。该火车站原本在当地发挥着重要作用，在废弃之后留下了一片空阔的区域。作为政府振新城区计划的一部分，该项目旨在将车站改造为一个灵活的、可供所有人使用的文化空间。

设计师希望通过这种空置的空间来创造新的试用机会，为市民们提供一个没有具体功能指向性的、完全自由的场所。一个“无目的”的空间恰恰才是任何事情都有可能发生的空间，它激发着思考和新的开始，是一个不带任何标签的、同时属于个人和集体的空间。

基于简洁的设计意图，装置最终呈现为一个巨大的半透明白色立方体，尺寸为8 x 8 x 8m。底部的一角向天空翘起，标志着向内部“入侵”的瞬间。轻盈的体态消解了巨大体量带来的沉重感，如同轻轻掀开轻柔的幕布，将人们吸引到它内部的世界。

室内空间由四面墙围合，促使人们将目光转向天空。这是一个未完成的场所，是公园和花园的一部分延伸。人们可以在这里进行冥想，体验展览和音乐会，在阳光或雾气的围绕下自由嬉戏——它杜绝了私自占有的可能，这样的空间属于每一个人。

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Project Info:
design firm: fahr 021.3
team: hugo reis, filipa frois almeida, catarina azevedo, sérgio marafona, lena breitenborn
project title: nook
curator: artfield / huichen wu
engineering: po-tao cheung
construction: shen mao green house
gardening: lian xin nursery garden
client: taitung design center
photography: yuchen chao
location: taitung, taiwan
built: 2018

为响应联合国人居署的新城市议程，BIG与非盈利组织OCEANIX以及麻省理工学院海洋工程中心共同提出了Oceanix City的愿景，旨在打造全球第一个弹性化的、可持续发展的漂浮社区，能够满足1万名居住者的需求。在以“可持续漂浮城市”为主题的第一届联合国高级圆桌会议上，来自联合国总部的创新者、探险家、海洋工程师和科学家针对海平面上升对沿海城市及国家带来的威胁提出了想法和解决方案。此次圆桌会议由OCEANIX，麻省理工学院海洋工程中心和BIG共同发起。

联合国人居署执行理事及联合国副秘书长Maimunah Mohd Sharif表示：“与城市合作是我们作为联合国机构的职责所在，不论项目位于陆地还是水上。我们已经准备好就漂浮城市进行对话，以确保这一创新性的方案能够得到有效实施并造福民众。”

预计到2050年，全球90%的最大城市将面临海平面上升的问题。绝大多数沿海城市将受到海岸侵蚀和洪水的影响，房屋和基础设施遭受冲击，导致数百万人流离失所。OCEANIX的联合创始人兼首席执行官Marc Collins Chen认为，人类可以居住在漂浮的城市中，并与水下的生物和谐相处：“这并非某种对立性的问题。现有的技术允许我们在不伤害海洋生态系统的前提下在水上居住。我们的目标是确保可持续的漂浮城市能够被所有有需要的沿海区域负担并使用，它们不该成为有钱人的特权。”

以联合国可持续发展目标为基础，Oceanix City被构想为一个人造的生态系统，能够对能源、水、食物和废弃物的流动进行调控，从而为模块化的海洋都市创造蓝图。

BIG的联合创始人Bjarke Ingels表示：“到了2050年，世界上最大城市的90%将面临海平面上升的问题。海洋可能摧毁我们，但同样可能成为我们的未来。Oceanix City是全世界第一个可持续且自给自足的漂浮社区，它是一个能够引导能源、水、食物和废弃物循环流动的人造生态系统，也是构建模块化海洋都市的蓝图。随着时间的推移，新的建筑将以有机形式不断增长、变化并适应新的需要，使300人居住的社区转变为万人居住的城市，并借助这种无限扩张的潜能，为关心彼此和地球的人们营造一个繁荣的海上家园。”

社区

Oceanix City旨在通过有机式的生长、变化和适应，从一系列小型的社区发展为可以无限扩展的城市。2公顷的模块化社区最多可为300名居民提供生活、工作和聚会的空间。社区内所有建筑的高度均控制在7层以内，以保证低重心和抗风能力。每座建筑呈扇形展开，不仅能够为内部空间和公共区域带来阴凉舒适的环境，还能够有效地降低空调成本，同时使屋顶面积最大化，以捕获更多的太阳能。

每个社区平台的核心地带被用于公共农业，能够促使居民充分融入共享式的文化以及零浪费的生态系统。平台下方的海水中养殖着生物礁石、海藻、牡蛎、贻贝、扇贝和蛤蜊，能够清洁海水并加速生态系统的再生。

村落

每6个社区可以围绕着一个受保护的中央港口，形成一个12公顷的大型村落，从而容纳多达1650位居民。社交、娱乐以及商业空间被设置在内环区域，以鼓励居民在村落周围聚集和流动：人们可以通过船只、电动汽车或轻松的步行穿越整座城市。

城市

进一步地，每6个村落还可聚集在一起，形成一座拥有1万人口的、有着强烈社区意识和认同感的城市。城市的中心将形成一个规模更大的港口。构成城市的六个专业化社区包含各自的公共广场、商场以及与教育、健康、体育和文化相关的地标性场所，能够在构建社区独特性的同时，为整个城市的居民提供服务。所有的社区，不论功能或规模，均优先使用当地材料进行建设，其中包括生长迅速的竹子，其抗拉强度是钢材的6倍，碳足迹为负，并且可以在社区中自由生长。

漂浮城市可以在岸上进行预制，随后再运到最终场地，从而有效减少建造成本，再加上低廉的租价，最终能够创造出一种十分经济实惠的居住模型。这也就意味着，经济适用型住房很快就可以被广泛部署到那些需求迫切的沿海大城市中。第一座Oceanix Cities将首先在环境最为敏感和脆弱的热带及亚热带地区进行调试和标准化。

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OCEANIX CITY FACTS
CLIENT: OCEANIX
SIZE: 75 hectares
COLLABORATORS: MIT Center for Ocean Engineering, Mobility in Chain, Sherwood Design Engineers, Center for Zero Waste Design, Transsolar KlimaEngineering, Global Coral Reef Alliance, Studio Other Spaces (Olafur Eliasson and Sebastian Behmann), Dickson Despommier
BIG–BJARKE INGELS GROUP
Partners-in-Charge: Bjarke Ingels, Daniel Sundlin
Project Leaders: Alana Goldweit, Jeremy Alain Siegel
Team: Andy Coward, Ashton Stare, Autumn Visconti, Bernardo Schuhmacher, Carlos Castillo, Cristina Medina-Gonzalez, Jacob Karasik, Kristoffer Negendahl, Mai Lee, Manon Otto, Terrence Chew, Thomas McMurtrie, Tore Banke, Tracy Sodder, Walid Bhatt, Will Campion, Yushan Huang, Tore Banke, Ziyu Guo

Public art at the urban scale. The dynamic pulse of Wanderwall re-imagines an exterior parkade wall in the uptown core of Charlotte. Evocative of swirling activity—ecological, social, and economic—the folded metal facade describes elements of flows and networks, with a labyrinthine porosity that allows light through to the garage interior. This dimensional architectural skin is composed of 5,768 individual parts that wrap the South and East elevations of the Stonewall Station parking garage. Eight stories of vibrant aluminum cladding announce the building as a beacon on the Uptown skyline and produce several scales of experience that extend far beyond the building itself.

Scales of experience. In a flash of blue-green caught from a car traveling on I-277, the piece acts as a colorful signal, inspiring a moment to slow down in the city. The Sunday stroller may catch a glimpse from several blocks away, tempting a diversion from the usual path. Along the approach, color gives way to the pattern. The surprising non-linearity of the piece rewards curiosity with ongoing discovery.

The mid-range view provokes a visual exploration of the facade’s motif. Aluminum parts in saturated hues from royal blue to springy green fold into a maze-like pattern, revealing an image of swirling activity. The composition is meant to appeal to a wide range of demographics, triggering different associations and real-world references. From this vantage, a phenomenon of “visual wandering” transports the viewer. As the eye travels across the piece, you find yourself lost in the design, the push and pull of the pattern, its color, porosity, and depth.

Up close, Wanderwall is a tectonic experience. Looking up from the street below, details come into focus. Here, you can perceive the depth of the surface—up to 16 inches in places—and its intricate connections. The effects of the pattern at this scale intensify on the interior of the garage. The porosity that patterns the exterior produces a tracery of dynamic light inside. A maze of rich gradients of several colors offset the dominance of surrounding glass facades, bringing a proud, unique emblem to Uptown Charlotte. For residents of all kinds, Wanderwall is a new landmark that anticipates the city’s bright future. Rather than a static fixture in the city, it produces new moments of discovery with each visit, prompting you to return again and again.

The motif. Charlotte is recognized as the second largest financial center in the nation, given its concentration of financial institutions. The overall motif of the facade visualizes that activity and the growth it has produced in the city as a density of nodes with fluid exchanges circulating between and beyond them. In expressive metal parts, these flows take on a gradient coloration that accentuates the circulatory dynamics of the system.

As the greens shift into blue, the pattern begins to evoke the natural. The vertical layering of the labyrinth takes on a quality of geological strata—formations that speak to the landscape lying under and beyond Charlotte’s urban core. Porosity is further derived from striating parts and the way they come together, providing both ventilation to the building and dramatic light filtration.

System. As a novel approach to facade systems, Wanderwall doesn’t use any secondary structure, but hangs as one continuous piece on the building. Unlike typical panelized systems, Wanderwall’s skin is assembled onsite as a unified, ultra-thin surface. As a structural nappe—a term that comes from geology to describe a sheet of rock draped like a cloth over a fault—it assumes a gentle pleat that provides the structural depth for the 1⁄8 inch material to continuously span both elevations.

While the city of Charlotte continues to flourish, Wanderwall shares the spirit of growth as a new public asset. As one of the largest public artworks in North Carolina, the project unifies art and architecture to provide access to art at a broad scale and to change the character of the Uptown neighborhood for its residents current and future.

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Architects：MARC FORNES / THEVERYMANY

Location：S Caldwell St & E Stonewall St, Charlotte, NC 28202, United States

Category：Arts & Architecture

Project Year：2019

Photographs：NAARO

“一个及其精准、清晰和有趣的方案，立足于谨慎细致的研究。”
-2018年评审委员会

项目陈述

杜克大学的校园生活在景观设计的作用下发生了惊人的变化。在2007年至2017年之间，景观设计公司Reed Hilderbrand联合8家建筑事务所完成了5个独立的项目，将不同的功能空间、基础设施、历史广场以及校园路径转变为了一个统一而连贯的区域，展示了其卓越的设计领导力和对环境背景的敏感性。基于对历史文脉和设计意图的细致解读，景观设计团队将原本由Olmsted兄弟设计的具有标志性的西广场进行了更新，在为其赋予当代用途的同时，还凭借整体性的园林设计方法，使原先的树木和草坪恢复生机，并得以长期地生长和延续下去。为了将未充分利用的广场和与之相邻的繁忙的服务区域整合为一个充满活力的校园中心，景观团队试图以校园本身的材料特性和类型学为依据，围绕着社区的建立和学生的参与来塑造当代化且能够彰显场地特质的景观环境。在过去的十年中，这些举措和努力最终使一个生机勃勃的、网络化的校园得以实现，为历史景观和当代功能的共存提供了肥沃的土壤。

项目说明

这5个项目将杜克大学最重要的景观——哥特式的Abele广场（其中包括标志性的杜克教堂、图书馆、学生食堂、行政中心、教室以及宿舍楼）与学校内最先进和最具适应性的建筑空间统一起来，以最大程度地满足多元化的校园生活。这些空间各自发挥着特定的功能，为西校区的核心地带赋予了新的活力。更新后的景观不仅展现了生气勃勃的大学氛围，还围绕着当代学习和生活的互联性，使校园获得了良性的重塑。

标志性广场的更新

学校的西广场是由Olmsted兄弟和Horace Trumbauer Architects的Julian Abele于1920年代共同设计。宽阔的道路和被高大的橡树环绕着的中央草坪共同为广场赋予了尺度感和厚重感。广场的边界种植着大面积的绿植，平衡了周围哥特式建筑复杂精致的外观。虽然广场在近一个世纪以来都是校园中最重要的聚会和日常活动场所，但由于长时间的过度使用以及维护保养的缺乏，广场景观的美观度和质量都有着明显的下降。

项目团队与学校的景观设计师合作制定了整体性的翻新计划，旨在调整空间的功能性并加强园艺方面的管理。方案在校园中置入了一系列新的空间，用于使用频率较高的小型活动，同时重新分配了大型活动区域，以保证中央草坪的恢复。广场的主路径通过多孔的花岗岩鹅卵石进行了加宽，可以容纳更多在课间穿行的学生，避免草坪的边缘遭到践踏。地表之下的土壤也得到了强化，能够为标志性的橡树群带来更多养分，提高渗透和补给率，并且使中央草坪能够抵挡住大型活动带来的压力。

自行车停放处、集会空间和入口等功能空间被巧妙地设置在广场周边的绿植区域之间，能够在激活空间的同时与整体空间结构保持协调。团队还鼓励大学设立有机景观维护制度，通过建立土壤生物学和结构来提高土壤的恢复力，从而可以随着时间的推移来逐步减少在景观维护上的投入。

景观设计师在维持既有结构和空间层次的基础上使广场的功能产生了变化，使其能够适应学生的生活方式和当代校园的功能需要。在该项目完成后，杜克大学将这座广场重新命名为Abele，致敬了美国早期著名的非裔建筑师Julian Abele。

为当代校园生活而设计

穿过以哥特式拱门为边界的Abele广场，便进入了一系列多层次的校园公共空间。一条狭窄的桥梁连接了广场和非正式的聚会、餐饮、学习以及活动空间。公共空间可以被看做是一个连续的景观，涵盖了更新后的食堂、新的活动中心以及学生健康中心。此外，原先杂乱无章的服务区被重新规划为一个高效的多车道装卸区，规整地隐藏在扩建后的广场下方，为学生活动腾出了更多空间，同时保证了行人区域的舒适和安全。

公共空间的中央设有一个以柏树提供荫蔽的集会区域。较为低矮的树木从青石板筑成的平台边显露出来，在突显校园历史的同时强调出食堂和公共空间在平面上的连续性。照明策略也颇为有趣，从上下两个方向点亮了整个空间，使公共区域一整天都充满活力。

一系列架空的平台、阶梯和斜坡走道跨越了三个楼层的高度，使学生们可以从多个层次和方向走进校园建筑，同时将广场与附近的田径运动场、研究生部和被称为“深洞”的原生低地景观连接起来。景观中混合种植着原生植物和归化植物，呼应了杜克大学所在的生态丰富的森林环境，营造出一个不同于传统校园的、有着深度质感的沉浸式花园。

为了使敏感的“深洞”免受来自高地的侵蚀和沉积作用的影响，场地中的降水会通过屋顶和广场的地面汇集起来，接着通过青石地面下方的排水沟被直接引入雨水花园。雨水花园将径流的过程展示出来，带来一定的教学价值，也为广场增添了尺度上的丰富性。流速变慢且经过过滤的雨水最终将汇入地下蓄水池并暂时被储存起来，随着时间的推移，它们将回归到深洞当中，以降低场地的最大流量。

综合性的规划

考虑到这一系列重要的项目均是首次提出，杜克大学召集了8个不同的建筑和规划单位并举办了研讨会，将这几个独立却又相互关联的项目分配给不同的团队。与会人员还包括学校董事会成员、管理人员和教职员工等。景观团队主要关注景观本身在校园中的重要作用，在现代化的校园中，将这些项目统一为一个潜力无穷的核心区域。

景观团队还与学生生活部的工作人员合作，共同制定了户外空间的分配方案，确定了每个区域将为哪些活动提供服务，以及每个区域的适当尺度，从而将各种正式和非正式空间集结为一个网络，不论是个体还是团体，都能在这个网络中找到适合他们的一方天地。

基于研讨会的讨论成果，景观团队制定出了一系列规划策略和空间策略，以同时兼顾该区域的统一性和独特性。这些策略的中心思路是让学生们能够在一个传统和现代特征兼备的优质环境中茁壮成长。

连续性

通过减少对环境的干扰以及消耗量，每个项目都为杜克大学的可持续发展目标作出了贡献。新种植的树木带来了阴凉的走廊，缓和了热岛效应；雨水的管理和控制改善了地下水的补给状况；优质的土壤和灌溉网络减少了饮用水的浪费；新实施的有机管理政策有效降低了景观维护所需要的石油基废料的总量。

景观每个项目的周期和成本有所不同，但它们的共同目的都是建立一个可持续的、互联的、具有主观能动性的校园区域，在展示校园历史的同时对学生的日常和学习生活形成积极的影响。由景观设计公司带领的团队将这些看似截然不同的项目统一为一个连接了新老区域、住宿和教学区域、室内和室外区域以及私人和公共区域的整体。

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由世界知名建筑事务所Bates Smart设计的Ryde Park是悉尼北岸的一个新开发的豪华住宅项目。该区域的中心是一个4000平方米的花园，其中竖立着澳大利亚雕塑家Dion Horstmans的著名雕塑作品《Genesis 2018》。这是UAP与Horstmans的第二次成功合作，前者参与了艺术品的设计、组装与现场搭建。

Horstmans的作品以抽象的几何形式著称。《Genesis 2018》的高度为15米，宽度为13米，其设计灵感来源于地质学和自然中各种独特的形式，其角度呼应了波利尼西亚的地图和天文图示。雕塑的尺寸和造型使光线在其表面上反射，在地面上投下强烈和变化丰富的光影，从而在花园中形成一个标志性的焦点。

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2018年12月，在历时8天建造后，一组500平米装配式钢构空间装置在上海当代艺术馆（PSA）前广场呈现。作品由大象设计联合同济大学、东南大学、中国美院学生共同完成。整组空间由“剧场”、“展场”、“趣场”组成，融合了社区活动、艺术表演、亲子游戏等功能，吸引人们参与，在冬日中激发出街区的热情活力。从空中望去，它仿佛一片洁白轻盈的“三角之洲”，成为这个城市江边的“引力场”。

基地

上海当代艺术馆是上海重要的文化地标，其西侧入口广场在平日里却是失落的一角——它的地下是社会停车场，地上有一片120米长，30米宽的区域平素少有人迹。西侧接壤的世博最佳实践园区是一个正常经营的办公园区，目前也在不断地发展丰富业态的过程中。夜间的广场上会有些许人员活动，主要是散步或运动的居民。我们希望通过多层次而有场所感的空间，将人的活动合理安排。

展场——无展之展

引力场活动的20天里，每天9点至17点之间由一位艺术家在展场中展出作品，称之为“闪电展”。而17点之后，展场内空无一物。由此，在满足展览需要的条件之上，年轻的设计师们设定了一个“无展之展”的情境：让PSA的大烟囱成为展场空间“自带”的展品！半透明的阳光角吸引着人们由水平延展的低矮入口弯腰进入金字塔式的展场空间，而一个巨大的三角形高窗朝向PSA，精确框景了高大的烟囱。此时，展场自身也已成为一个取景器式的装置作品。

剧场——聚散之间

剧场承担着表演的空间功能，同时也为人群提供休憩场所。设计者尝试以结构为线索，“聚散”既是结构塑造的形象特征，同时也隐喻了人活动的聚与散。斜向平面布置的剧场一角向着街道高高昂起，勾起行人的注意，而去PSA参观的人们恰巧可以在出入口看到舞台的表演。12月8日开幕式中，大象乐团在舞台上热火朝天的原创摇滚音乐让周围的人们为之沸腾。之后的各种活动赋予剧场真实的生命，孩子们异想天开的一些对建筑的使用更是让剧场别样的生动。

趣场——浮云之下

通过一系列记录和调查，设计者发现场域中白天和晚上的人群活动各自不同。设计者从人的活动出发，设计一片错动开放的檐下空间，把趣场想象成广场上漂浮着的层层叠叠的云朵，人们穿行其中，往返展场与剧场之间，趣味盎然。

艺术家在“云”下用红线编织“莫比乌斯”式的空间通道。洁白的浮云，斑驳的光影，纤细却紧绷的丝线，一切让空间显得张力十足。

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项目地点：上海当代艺术博物馆西侧广场
设计+搭建：4个月
存在时间：20天
成本控制：30万
场地承重：350kg/平，不允许破坏地面
设计时间：2018年12月
设计单位：大象设计
设计团队：王彦，大象设计总建筑师
杨天周 邓希帆，同济大学建筑与城市规划学院
张旭 乔润泽，东南大学建筑学院
李嘉文 虞思源，中国美术学院建筑艺术学院

Root Bench 是对Hangang Art Competition获奖作品的全新阐释。这个安装在草坪上的圆形公共家具直径有30米，以根系蔓延的形态布满了整个公园。它与空旷的室外公园形成了强烈的对比，充满视觉刺激。

Root Bench高度不同，人们可以坐和依靠在上面休息。从获奖作品中延续的主要理念就是：从中心延伸出的有机形状，创造空间的连续性。

参观者在休息空间中交流的同时，既舒适又能享受艺术作品。它同时还可以完美的作为三个不同高度的家具：儿童座椅（250mm），成人椅（450mm）和桌子（75mm）。富有韵律的形状为Hangang公园带来了全新的刺激点和多样的乐趣。

这个艺术作品所呈现的三维几何形态是通过计算机算法设计出来的。金属框架和混凝土底座作为主要结构支撑着整个体系，外部以木板覆盖。通过对常用材料的处理，座位既保持了舒适，又很容易使用和维护。在呈现出完整圆形的同时，Root Bench与草丛融合，模糊了人工设施与自然环境的界线。

为了更紧密联系扩散的分支，设计过程中采用了反应—扩散系统。这个数学模型描述了一种或多种化学物质在空间和时间中的变化：物质相互转化的局部化学反应和导致物质在空间表面分布的扩散反应。通过算法，在前景（装置）与背景（草）相互融合的情况下，生成整体的径向形态。

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Project name: Root Bench
Architect’s Firm: Yong Ju Lee Architecture
Website: www.yongjulee.com
Contact e-mail: info@yongjulee.com
Project location: 302-17 Ichon-dong, Yongsan-gu, Seoul
Completion Year: 2018
Gross Built Area: 700 sqm
Lead Architects: Yong Ju Lee
Design team: Seung Joon Lee, HyeokJun Dong, Seongmin Moon
Construction: Sunjin Plus
Client: Hangang Art Park
Photo credits: Kyungsub Shin, Dae Won Lee, Kyung Mo Choi, Yong Ju Lee Architecture
Photographer’s website: http://www.shinkyungsub.com

人们在现代生活中越来越关心我们生活的环境质量，并有意识的去改善我们自己的生活习惯，尽管如此，由于我们的城市变得越来越庞大，因此这种改变往往是难以察觉的。所以当务之急是，作为市民，我们应该与设计师、公共机构、各种品牌等不同的参与者一起，重新思考我们城市的新愿景，并通过人与环境紧密结合的方式，让城市景观重新焕发出新的光彩。

基于这个原因，MINI 建筑事务所和 Enorme Studio 建筑事务所共同设计了这个位于马德里圣玛瑞斯广场的装置。这两家建筑事务所是专门从事公共空间设计和全民参与的年轻建筑设计公司。

而这次的装置除了作为城市居民的集会点外，还使用了再生能源。它拥有 USB 充电装置和使用太阳能源做照明的读书空间，还利用运动产生的能量来对设备进行充电。这种新型的居住环境以及对再生能源的使用方式将会有效的解决日常生活中能源带来的压力。

一年多来，MINI 建筑事务所一直在马拉萨尼亚社区进行创新型设计开发工作，这个公共空间现在已经全面向外界开放。而室内到处都是正在致力于打造新城市的设计师们：城市家具工作室开展了“Bench a Day”，活动，这将为城市的长椅开发出新的创意；并进行交互式城市空间的设计讨论和新的公共空间实验室；同时进行了关于未来城市如何发展的讨论。所有这些活动都将以城市设计和城市为主题，以合作、跨领域和跨时代的方式开展工作。

montaanla Luna launcher 装置展示出了一个可移动的设计师办公室空间理念，它就位于街道上，在用户中间，今后任何关于未来城市的新建议都必须共同设计。MINI 建筑事务所为改善城市生活目标做出了新的努力，它更合理的使用资源，并将“创造性使用空间”的座右铭最大化，这是该品牌的基因所固有的。

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建筑师 Enorme Studio

地址 圣玛丽亚广场，28004 马德里，西班牙

项目年份 2018 年

摄影师 Javier de Paz García, Luis Alda

厂家 Juliana Gardener, TECROSA, Leroy Merlín, TAHUSA, RADO

合作者 Construcción CARRSA / energía solar e interactividad CREÁTICA

园艺和景观设计 Greener and the Other Side

客户 MINI España / MINI Hub

环境规划 Madrid Design Festival

Text description provided by the architects. By transforming a traffic median into a public space, Shadow Play fosters pedestrian life and improves the downtown Phoenix streetscape at Roosevelt Row. Clusters of shade structures create respite from the desert sun by offering a public parasol at an urban scale. Shadow Play’s hovering canopy is formed from an aggregation of identical geometric modules.

Each module is fabricated from a steel plate to create a thin but structurally rigid cell. The aggregation of individual cells form clusters that span between vertical supports to create an angular canopy of open cells. The folded steel cells filter the intense sunlight, casting shadows on the ground and creating local micro-climate in the shade. The geometry of the canopy maximizes the production of shade and shadow while allowing for breezes and air movement.

Photovoltaic panels are mounted to the top surface of the canopy, taking advantage of the optimally oriented geometry of the steel cells. Power generated by the photovoltaic panels is stored in batteries, allowing the canopy to be illuminated from within in the evening time.

As an urban platform to reclaim under-used public space, Shadow Play foregrounds its environment to create a site-specific collective place within downtown Phoenix.

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非凡的旅行

建筑在哪里就可以带你去哪里？设计师相信通过将惰性结构运用在传输上，就能让建筑满足人们探索的欲望，改变人们的感知，甚至颠覆人们的期望，并了解其他现实的存在。探索的欲望即是对进步的渴望，不仅仅是到另一个地方，更是创造新的可能性。整个设计将带观者离开这个现实的界限，发现一个更令人兴奋的未来，那么要怎么到达呢？

寻找我们的宇宙

一段旅程由此开始了，在某处存在一个令人难以置信的探索空间，甚至可以在自家的后院。如同在晴朗的夜晚看到月亮一样，人们可以观察月亮的表面，思考着陨石坑中存在生命吗？设计师通过现代科技再现这19世纪的天体浪漫，与儒勒凡尔纳（Jules Verne）所描绘的未知的自然世界和魅力的远方相呼应。在他的书中，那些通往地球中心、海洋深处和月球表面的路线，只有通过人们的努力发现才能最终找到。在他的《奇异的旅行》一书中，凡尔纳以他喜爱的旅行方式为我们打开其他宇宙的大门，他将尼莫船长海底的船描绘为带有丰富内饰的战车，内部配备了风琴、沙龙和餐厅。正是因为儒勒·凡尔纳（Jules Verne）所写的儿童和成人的原始科幻小说，造就了我们今天的实践。作家雷·布拉德伯里（Ray Bradbury）曾写道：“我们都是儒勒凡尔纳笔下的这样或那样的孩子们。” 在他斯特拉斯堡的Marc住宅中的《海底两万里》真实地反映了这一点。

伟大的开端

设计师在苏州构建起了Boolean Operator，他们精心设计出了这一“移动”结构。Boolean Operator装置实际是一个大型展厅，也是为中国苏州金鸡湖双年展活动所安设的。整个设计超越了周围的环境，同时又嵌入其中。通常，人们会感兴趣这个空间，从而开始令人惊喜的探险。

运输体验

就像凡尔纳书中的Nautilus是以早期法国潜艇为模型，设计师也运用超薄的壳结构打造了一艘运输船，利用工程将一个世界到另一个世界量化开来，对于凡尔纳而言，它心中的时间超前。Nautilus被伪装成一种海洋生物，同时成为一个引人注目的栖息地。Nautilus由尼莫船长驾驶巡航在神秘岛和海底中，文中它被描述为“巨大的铁板圆筒”（l’énormecyclindredetôle），将探险者带入未知的领域，尼莫船长曾详细的阐述了它的形状：“整个潜艇足够的长，向尾部逐渐变细，这样的造型很方便水流过，同时对船舶的运动没有任何障碍。”

探索装置

舷窗如同水族馆一样成为了两个生态系统之间的大门。设计师创造的Nautilus停靠在城市的湖岸边，它具有一个奇特而丰富的内部空间。整体作品以一个不可思议的薄铝工艺创造，形成一种外星人的造型。进入内部的航海者可能会突然看到一个似乎很遥远的广场。外壳的厚度的变化在两个宇宙之间的交接处变得明显。

内部的新世界

这个结构内部是一个不透明的空间，仅利用2毫米的多孔外壳与城市隔开。因此整个结构不可能延伸到很深的地方，其弯曲的表面形成的精细分辨率形成了一种不明确的结构范围。人们必须四处走动才能感受到空间中所包含的一切。阳光下，结构中各个细节若隐若现。连续的表面在柱子网络中生长，这些柱子又可以剥开，形成封闭的壳体。复杂的结构外皮的决定了分支、开口、部件以及连接的密度。体验者不得不让自己的眼睛适应这样的分辨率。整个场景以一种压倒性和敬畏感，迫使人们靠近、深入，并通过这个无边的空间。这个双曲面结构不会产生规则的阴影，也不会给予游览者提供过多的信息来感知它的尺度或深度。由此理解空间的唯一方法就成了通过它，蜿蜒的小径不仅仅是一种设计，更是由一道光线所产生的暗示，绘制在这探索的欲望的地图上。

到地球的中心去

球状包膜中的开口具有引力的魔力，它们将人们拉入未知的世界。它可能是一个漩涡、一个月亮门、一个兔子洞，甚至一些不成文的仙境，人们小心翼翼地接近它，或者也如同现代探险家的信心。

神秘岛

在距离现代苏州市中心的不远的地方是另一个神秘的空间，它位于金鸡湖的西侧。这个沉思花园位于市中心的绿色小岛上，在这里，建筑和景观设计如同诗歌般存在，历史王朝遗留的艺术和天然岩层是联合国教科文组织颁布的世界遗产。经过一个世纪的王朝统治，这座花园仿佛是中国传统山水画中的一个场景，它将艺术、工艺和文化历史都融入进了这宁静的户外空间中。

返回陆地

THEVERYMANY将装置放在苏州梦幻的广场上，不同于一般的城市环境，该作品给人们带来了一次独特的艺术体验。在苏州市中心，它成为了一个引人注目的空间，等待着人们去探索发现。随着它被本地人和游客所熟知和标记，这个作品通过一次又一次地运送人们，创造了一个独特的追寻体验。

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该项目位于波特兰Oregon动物园的教育中心前的Discovery广场上，设计师在这里安装了名为Ambiguous的艺术装置。该公共艺术品表达了教育中心的主题“小事物的重要性”，即强调小部分对整体的贡献。

设计师Rob Ley创作了一个由数百个小蝴蝶结组成的雕塑，这些设计元素都具有独特的弯曲角度，并通过铆钉组合成最终的整体形态。此作品的一部分设计灵感来源于生物的最初形态，如种子、孢子、卵和花粉，他们都具有迷人的构造和纹理特征，这些特征都是每个物种所独有的，相互比较时则显得相似。设计师最终为游览者打造出一个可以远观整体形态，近品小部件独特结构的大型雕塑。

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Year: 2017
Medium: Powder Coated Stainless Steel
Size: 14’ H x 7’ W x 5’ D
Location: Portland, OR
Client: Oregon Zoo

Idea Latitude Public Art Institute: Beijing Fun is the closest Chinese-style living experience area to Tiananmen Square. In July 2018, the public art work Obscure Reality floated above the East Square of Beijing Fun. The work was designed by Idea Latitude Public Art Institute and organized by the CCPA of China National Academy of Painting.

Floating Obscure Reality
Obscure Reality pursues the floating image of clouds, closely follows the changing platforms of the square, and echoes the activities of people on the square and surrounding buildings. In Lao Tzu’s Tao Te Ching, he mentions that “the highest good is like water”. Obscure Reality adjusts the atmosphere of the environment all the time, demonstrating the flowing state of water on the spot.

Originating from Taihu Stone Cutting, 2005
Obscure Reality originated from the author’s series of work Taihu Stone Cutting. Obscure Reality has the same sound with “Taihu Stone” in Chinese. It aims to involve traditional Chinese aesthetics into contemporary practice, integrate environmental elements, and achieve “selflessness, signlessness, infinite”.

Integrating with Obscure Reality
Since the cavalier perspective is usually applied in ancient Chinese scroll paintings, these paintings are interpreted by the audience with their inner feelings instead of a fixed perspective. The audience can interact with Obscure Reality as well.

The variations of the shapes of Obscure Reality push the audience move around it and discover the changes of the patterns of the work. The audience can integrate with the infinite scroll according to their own will and perspective. The elements of this work are presented during the transition between virtuality and reality. People can enter, climb, sit on and play with it.

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Office name: Idea Latitude Public Art Institute
Role of the office in the project: Design
Designer: WANG Yonggang
Website: www.ztwd.net
Other designers involved in the design of landscape: FENG Ying, SUN Jiangmei, SHANG Lianfeng, DENG Zhongwen, YE Nan, BAI Xuefeng, CUI Zhulong, HE Yanqing, GAO Tianxia, GE Xiuli

Design organization:
IDEA LATITUDE PUBLIC ART INSITITUTE
CCPA of China National Academy of Painting

Venue Provider:
Beijing Guangan Holdings Co., Ltd.
Beijing Dasilar-Yongxing Real Estate Co., Ltd.
Beijing Fun Business Management Company

Project location: East Square of Beijing Fun, Xicheng District, Beijing, China

Design year: 2018
Year Built: 2018

在第9届华沙建造节上，BudCud事务所在广场上打造了一个大尺度的装置作品，包括广场地面的色彩介入（“广场中的广场”）、8座跨架结构（baugespann）以及一座考古学凉亭（Square Post）。通过碎片式的体原型、类比和空间草图，该装置展现出了一座未来广场的特征和尺度。

广场上的色彩介入勾勒出未来广场的区域，使人们对公共空间的规划尺度形成感知。广场的地面被覆盖以一张1：1的平面图，展示出世界各地的著名广场，包括华沙的旧城广场、巴黎的孚日广场、锡耶纳的田野广场以及纽约的时代广场。这些广场能够帮助人们意识到城市公共空间在当下所呈现出来的问题以及与之有关的发展方案。平面图的边界环绕着一系列建筑跨架（baugespann），这是瑞士常见的规划设施，用于标记未来建筑的高度和尺寸。跨架顶端放置着由华沙艺术家二人组DWA ZETA专门设计的旗帜。

Square Post是一座开放式的凉亭，旨在引发人们对过去、现在和未来的思考。位于Marszałkowska街道附近，TR Warszawa剧院和现代艺术博物馆在这条街道上相会。这座凉亭可供人们在其中探讨优秀公共空间所需要具备的品质，也可满足人们日常集会的需求，同时作为广场旅程的起点，为教学活动提供场地。

凉亭的结构十分简洁，其黑白色的外观参考了附近博物馆（白）和剧院（黑）立面的用色。凉亭的屋顶下方摆放着一些造型简单的家具。其中一件参照了博物馆建筑的拱廊，另外一件模仿了剧院中的礼堂及其立面结构。突出的立柱和吊灯则参考了场地上方的文化宫建筑的尺度和风格。由此，这座凉亭预示了未来广场周围最具特色的建筑的尺度和布局。与此同时，它还通过光线、阴影和绿植等元素，隐喻地指出了未来人类在打造公共空间时将会面临的主要问题。

WARSZAWA W BUDOWIE 9 PLAC DEFILAD: A STEP FORWARD
YEAR: 2017
CLIENT: MUZEUM SZTUKI NOWOCZESNEJ W WARSZAWIE, MUZEUM WARSZAWY
LOCATION: PLAC DEFILAD, WARSAW, PL
PROGRAM: EXHIBITION DESIGN, PUBLIC SPACE
AREA: 15 000 M2
STATUS: BUILT 2017
TEAM: BUDCUD: MATEUSZ ADAMCZYK, AGATA WOŹNICZKA (AUTHORS), SŁAWOMIR PUCEK (STRUCTURAL ENGINEER), LEA MOUREAU, JOANNA RYŚ
PHOTOS: BUDCUD, MARCIN CZECHOWICZ, WOJTEK RADWAŃSKI

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yener torun captures istanbul’s architecture as kaleidoscopic color canvasses

whether the subject be a building façade, a structural design detail or an urban element, yener torun’s architectural photography undoubtedly ventures beyond the typical cityscape snapshots. throughout his home city of istanbul, torun takes his camera on epic journeys thorough little-known neighborhoods and otherwise undiscovered districts in search of the perfect spot for a shot. through his lens, torun captures highly saturated scenes filled with bold geometries, kaleidoscopic color and striking symmetry.

we spoke with torun about the importance of color and geometry in his work, the most challenging aspect of completing a composition, and the current fascinations that are feeding into his creative practice. 

what are the stages involved in creating an image? 

yener torun: there are several stages. first of all I search for the location, and probably that’s the most difficult part. I dig every corner of the city to find these places, and in a vast city like istanbul (most of my photos were taken in istanbul) it takes a lot of time. I usually visit developing neighborhoods and spend my time wandering around until I find something I can use. sometimes I visit these places more than once at various times of day to study the effects of light and shadows. the composition usually pops into my mind spontaneously when I find the location. if I’m lucky enough, I catch a candid shot similar to my idea in the same day, but generally luck is not on my side and I need to revisit these places once or twice to get what I want. and sometimes I use some of my friends as models and I just need to wait until they are available for shooting. sometimes it takes months to set up a single photograph and it truly requires a lot of patience.

can you talk about the importance of color and geometry in your work? how do they help communicate the character of the building in the frame?

YT: outside of turkey, these unusual colors and simple geometric shapes and patterns would not be associated with architecture in turkey (especially in istanbul) but my work slowly changes this stereotyped perception by documenting some of the western qualities of a land mostly known for its eastern qualities. it’s better to say that my photographs help communicate the evolving character of istanbul (and maybe partially turkey). but there’s more depth to it. in fact, geometry and color also help me to abstract these buildings from reality.

(continued) in my work I usually tend to create new worlds with their own rules. by combining vivid colors, strong lines, geometric patterns, light and shadows in my compositions, I try to redefine the purposes of architectural elements and, sometimes, the human figures interacting with these elements give the viewer some clues about their new function. after losing its original function, each time, architecture becomes a colorful and geometric backdrop of a new and personal story. I believe this approach makes my work more profound than it looks at first glance — while keeping the intention to show unknown, less ornate and colorful side of the city, it also opens a window into my inner world. this provides a connection between me and the viewers using the colorful treats of the city as interfaces.

 how long have you been using instagram, and what do you like most about it as a platform for your work?

YT: it’s been over three years since I signed up but I started posting regularly in late 2013. instagram lets my art reach incredible numbers of people. since I see my work kind of personally, instagram also gives me the chance to tell my story to a huge audience and engage with them on a very personal level.

what is the most challenging aspect of realizing your photographs?

YT: scouting the shooting locations is the hardest part, but that is not a complaint. on the contrary it is more like an exciting challenge or task to complete. since majority of the buildings in most of the cities I visit are grey and dull, searching for these colorful structures becomes something like a treasure hunt. after hours of walking and searching, finding these colorful gems is a real victory. photographs are the end products of my work but I think the journey is as much as important as the destination.

 do you have a particular image that is your favorite, or one that stands out to you?

YT: ‘alternate route’ is special because it perfectly represents the final form of my concept that I tried to explain above. it has its own reality, own rules and architectural elements, colors and geometry helps to define these rules and interaction of the human element makes these rules even more clear. also, warm and happy orange tone coordinates well with the humor of the image. it’s a subtle, yet effective photograph, I think.

who/what has been the biggest influence on your work to date, and how do they inform your practice?

YT: definitely, music has been a big influence throughout my life. I am a true music geek and I am constantly searching for new acts especially in independent music arena. youthful energy and fresh ideas of new musicians inspires me a lot. I listen to music while searching new places for shooting, taking and editing photographs, actually I listen to music almost all the time. occasionally some quotes from lyrics or even track titles inspire me to create the compositions and at times they end up being the actual titles of the images. I believe, from time to time, my love for rhythm visually reflects into my work as well.

 which era of art do you appreciate the most?

YT: current era, I must say. I love that there are no restrictions at all. anything can transform into art. the contemporary art scene is full of new ideas and new artists have to be much more creative and original than ever. it is challenging for sure but I think that factor makes it even more exciting. also my work is clearly influenced by some mid to late 20th century art movements.

what are you currently fascinated by and how is it feeding into your work?

YT: I love traveling and exploring new places. lately I’ve visited numerous cities and small towns and while unearthing their hidden gems I also had chance to meet new people and make some friends. visiting and discovering new places, meeting new people and being a part of their life for a small portion of time is a fascinating experience as a package, and, each time, that experience adds a lot to my personal story that I try to tell through my work.

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沿着蒙特利尔博物馆大道，设计师jean verville在地面的步行长廊上制作了一条杂乱无章、而又充满活力的舞池，它给人一种视觉幻象的感觉。在2016年夏季期间，该公共装置为游客和好奇的行人们提供了一处玩乐的场所，让人们产生一种想要进去走走的冲动。

作为蒙特利尔美术博物馆大赛中，博物馆大道发展史项目的获奖作品，verville创作的这个巨大的“舞池”是由5000多个脚印铺成的。这些脚印被渲染成闪亮的金属光泽，它的图案让我们想起了金锤 — 对本次博物馆展览主题“pompeii”的一次致敬。它欢迎人们在里面即兴起舞，甚至是杂乱无章的舞蹈动作也没有关系，为城市增添了一抹亮色。由此verville把步行街变成了一个互动的场所，让即兴舞蹈充满了蒙特利尔市中心，同时他鼓励游客们在博物馆展厅里走自己的路线。

项目信息：
客户：蒙特利尔美术博物馆
类型：城市装置
地点：加拿大蒙特利尔
面积：3000平方英尺
灵感源于：2015
建设年份：2016
技术项目经理：蒙特利尔美术博物馆的展览产品团队
建设者：蒙特利尔美术博物馆技术团队

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